Topp 10 mest kjente og vakre stilleben i verden

Denne retningen for kunst ble skilt ut i det XNUMXth århundre i Holland. Selvfølgelig har kunstnere malt livløse gjenstander før, men vanligvis var de en del av komposisjonen.

I Russland ble stilleben-sjangeren anerkjent mye senere (på XNUMXth århundre). I lang tid ble det ansett som mindreverdig, oppfattet som en treningsproduksjon. Men selv nå, for de fleste, er stilleben en meningsløs kunstform, banal og uinteressant.

Kunstnere skildrer frukt, lys, blomster, mat og andre gjenstander, men gir ikke disse maleriene mening? Tvert imot er den så dypt skjult at ikke enhver kunstkjenner vil kunne finne den. Når man lager stilleben, brukes symboler og bilder, hver av dem identifiseres med ulike livssituasjoner og fenomener, følelser og følelser.

I løpet av fire århundrer er det laget et stort antall malerier av denne sjangeren, men blant dem kan de mest kjente stilleben skilles ut.

10 "Lilla", Pyotr Konchalovsky

bilde "syrin" ligger i det latviske kunstmuseet (Riga). Opprettet i 1951. Dette er ikke det eneste bildet av buskens vakre blomster. Pjotr ​​Konchalovsky var en fan av planten, ble han til og med kalt "syrin-sangeren". Gjennom hele livet malte han mer enn 40 vakre stilleben med et lignende tema.

I denne versjonen er syringrener i en vanlig krukke på et skittent og røft bord. Kontrast. Verket ble opprettet i begynnelsen av de stalinistiske undertrykkelsene. Konchalovsky forsto at urettferdighet hersket i landet. Men blomstene har blomstret, og det ser ut til at lerretet har sin egen lukt – vår og håp på det beste. Mot alle odds.

9. "Finsk bukett", Boris Kustodiev

Blomsterstilleben fra 1917, oppbevart i statsmuseet i byen Arkhangelsk. Boris Kustodiev var en dyktig portrettmaler, og “Finsk bukett” tilhører Vyborg-tiden. På dette tidspunktet var kunstneren under rehabilitering etter operasjonen. Bildet er malt på et sanatorium. Den skildrer vanlige planter: kamille, tistel, bregne. Tegningen er enkel og ukomplisert, den gleder øyet. Når du ser bildet, forstår du at lykke er vanlig. Skjønnhet er nær, og for ekte glede trenger du veldig lite.

8. Gardin, kanne og fruktskål av Paul Cezanne

“Gardin, mugge og fruktskål” – et av de mest kjente og vakreste maleriene i stillebensjangeren. Opprettet på slutten av 90-tallet av XIX århundre. I 1999 ble den solgt på auksjon for en rekordpris på 60 millioner dollar.

Du kan faktisk ikke bare gå forbi dette bildet. Den tiltrekker seg visuelt med sine ubalanserte deler. Fargene står i kontrast: kulden i kannen og varmen fra frukten. Takket være subtile fargeoverganger, Cezanne klarte å reprodusere objekter tredimensjonalt, tredimensjonalt.

7. "Still Life", Kazimir Malevich

Bildet ble laget i 1910. Ligger i Statens russiske museum. Malevich skrev det i perioden med kreative søk. Han følte seg som en reformator, kjempet mot realismen og anså klassisismen som et fenomen som var blitt foreldet. mange av hans «Stilleben» virker uvanlig: som om dette er en udugelig tegning av et barn, og ikke en erfaren kunstner.

I sentrum av verket står en hvit vase med frukt, hvorav noen står på bordet. Bildet er heterogent. Dens deler tilhører forskjellige stiler. Med dette vakre verket ønsket Malevich å vise at virkeligheten er sekundær (i forhold til billedformen). Selv her kan man legge merke til et særtrekk som er iboende i mange verk av Kazimir Severinovich – bruken av lyse farger, som har blitt et symbol på kunstnerens ukueligge energi.

6. "Still Life with Skull and Feather" av Pieter Claesz

"Stilleben med hodeskalle og fjær" kan sees på Metropolitan Museum of Art (New York). Den ble opprettet i 1628. Tilhører vanitas-sjangeren (stilleben dedikert til døden).

Bildet er vakkert, men skummelt. En hodeskalle, et veltet glass, en utdødd oljelampe – alt dette er symboler på livets forgjengelighet. En slående forskjell mellom dette maleriet og mange andre laget i en lignende sjanger er den begrensede paletten. Claes bruker flere farger og deres nyanser, noe som understreker alvoret og dysterheten i komposisjonen. Enhver betrakter av bildet forstår at livet vil ta slutt en dag, kunnskap og vin er maktesløse - ingenting vil hjelpe en person med å vinne evigheten ...

5. "Vase med blomster", Pierre-Auguste Renoir

Maleriet er oppbevart i det berømte Cambridge Museum of Art. Renoir spesialisert seg på portretter og sjangerscener. Blomster var for ham underholdning, avslapning. Det er en versjon om at kunstneren laget slike malerier med det formål å tjene penger, da de solgte godt.

“Vase med blomster” skrevet i 1866. Den vanlige hagebuketten, som inkluderte de vanligste plantene. Fargene er lyse. Fargeopprøret blir en påminnelse om naturens skjønnhet og overflod. Kombinasjonen av farger er klassisk, korrekt. Harmoni og fred er hovedbudskapet i dette bildet.

4. "Epler og blader", Ilya Repin

Lerret "Epler og blader" ligger i det russiske museet (St. Petersburg). Ilya Efimovich opprettet det i 1879. Ved første øyekast kan bildet virke for enkelt og ukomplisert: epler mot bakgrunnen av blader. Det er bare komposisjonen er gjort så mesterlig at det er en følelse av realisme. Bildet er omfangsrikt og som fylt med luft er de minste detaljene nøye tegnet. Hun er lys og uttrykksfull.

Verket ble til Gjenta på høyden av hans popularitet. I det øyeblikket i livet hans hadde han det bra både i karrieren og i hans personlige liv. Slike omstendigheter kunne ikke annet enn å påvirke stemningen til kunstneren. Det er ikke overraskende at når du vurderer lerretet, oppstår gunstige følelser og følelser.

3. Fruktkurv av Michelangelo Caravaggio

"Fruktkurv" Opprettet i 1596, lagret i Ambrosian Library (Milano). Noen kunsthistorikere tror Michelangelo grunnlegger av stillebensjangeren.

Bildet er så naturalistisk som mulig: kurven er på kanten av bordet, den er fylt med frukt. Fruktene er plukket sammen med bladene, og de første tegnene på visnelse er allerede synlige. Komposisjonens livløshet understreker tonen – et minimum av detaljer.

Med dette bildet ønsket Caravaggio å vise tidens gang. Frodig friskhet erstattes av forfall og død, uunngåelighet.

2. Fuglekirsebær i et glass, Kuzma Petrov-Vodkin

Et av de mest kjente maleriene av den sovjetiske kunstneren. Opprettet i 1932. “Fuglekirsebær i et glass” ligger i Statens russiske museum i St. Petersburg.

En fuglekirsebærgren er omgitt av tilfeldig spredte gjenstander. Ting har ikke en synlig forbindelse med hverandre, men bildet ser harmonisk ut. Det er en versjon som et upretensiøst sett med gjenstander personifiserer alvorlighetsgraden av den historiske perioden der bildet ble malt. Petrov-Vodkin.

1. Solsikker i en gul vase, Van Gogh

Van Gogh betraktet som en mester i stilleben. Kunstneren skapte en hel serie malerier dedikert til solsikker. Lerretet som interesserer oss ble laget i 1888. Ligger i London National Gallery.

I bildet “Solsikker i en gul vase” en grov rustikk vase er avbildet. Den er liten i størrelse, og det er ikke nok plass til solsikker, men ikke bare i en vase, i verdensrommet. Ingenting uvanlig: den naturlige skjønnheten til fargene og lysstyrken til fargene. For Van Gogh ble gul assosiert med håp og vennskap, og solsikken var for ham et symbol på takknemlighet.

Hva handler dette bildet om? Om et vakkert og tragisk liv. Blomster, dyr, mennesker – alle levende ting tar slutt en dag. Bør jeg være opprørt over dette? Hver person har sitt eget svar på dette spørsmålet, men det er ingen grunn til å bruke dyrebare minutter og timer på bekymringer. Ingen og ingenting kan stoppe tiden.