Innhold
Gudinnen for kjærlighet og skjønnhet i maleriet av Botticelli er trist og løsrevet fra verden. Det triste ansiktet hennes fanger vårt øye. Hvorfor er det ingen lykke i det, gleden ved å oppdage og gjenkjenne verden? Hva ville kunstneren fortelle oss? Psykoanalytiker Andrei Rossokhin og kunstkritiker Maria Revyakina undersøker maleriet og forteller oss hva de vet og føler.
«KJÆRLIGHET FORBINDER JORDISK OG HIMMELSK»
Maria Revyakina, kunsthistoriker:
Venus, som personifiserer kjærligheten, står i et skjell (1), som vindguden Zephyr (2) bærer til land. Det åpne skallet i renessansen var et symbol på femininitet og ble bokstavelig talt tolket som en kvinnelig livmor. Gudinnens figur er skulpturell, og hennes holdning, karakteristisk for gamle statuer, understreker letthet og beskjedenhet. Hennes plettfrie bilde er supplert med et bånd (3) i håret hennes, et symbol på uskyld. Skjønnheten til gudinnen er fascinerende, men hun ser gjennomtenkt og reservert ut sammenlignet med andre karakterer.
På venstre side av bildet ser vi et ektepar – vindguden Zephyr (2) og blomstergudinnen Flora (4)flettet inn i en omfavnelse. Zephyr personifiserte jordisk, kjødelig kjærlighet, og Botticelli forsterker dette symbolet ved å skildre Zephyr med sin kone. På høyre side av bildet er vårens gudinne, Ora Tallo, avbildet. (5), som symboliserer kysk, himmelsk kjærlighet. Denne gudinnen ble også assosiert med overgangen til en annen verden (for eksempel med fødsels- eller dødsøyeblikket).
Det antas at myrt, krans (6) hvorfra vi ser på halsen hennes, personifiserte evige følelser, og appelsintreet (7) var assosiert med udødelighet. Så sammensetningen av bildet støtter hovedideen til arbeidet: om foreningen av det jordiske og det himmelske gjennom kjærlighet.
Fargespekteret, der blåtoner dominerer, gir komposisjonen luftighet, festlighet og samtidig kulde.
Ikke mindre symbolsk er fargespekteret, dominert av blåtoner, som blir til turkis-grå nyanser, noe som gir komposisjonen luftighet og festlighet på den ene siden og en viss kulde på den andre. Blå farge på den tiden var typisk for unge gifte kvinner (de er omgitt av et ektepar).
Det er ingen tilfeldighet at det er en stor grønn fargeflekk på høyre side av lerretet: denne fargen ble assosiert både med visdom og kyskhet, og med kjærlighet, glede, livets triumf over døden.
Kjole farge (5) Ory Tallo, som blekner fra hvit til grå, er ikke mindre veltalende enn den lilla-røde nyansen av mantelen (8), som hun skal dekke Venus med: den hvite fargen personifiserte renhet og uskyld, og den grå ble tolket som et symbol på avholdenhet og stor fastetid. Kanskje symboliserer fargen på mantelen her skjønnhetens kraft som en jordisk kraft og den hellige ilden som viser seg hvert år i påsken som en himmelsk kraft.
«INNRÅTTELSE AV Skjønnhet OG SMERTEN VED TAP»
Andrey Rossokhin, psykoanalytiker:
Den skjulte konfrontasjonen i bildet av venstre- og høyregruppen fanger oppmerksomheten. Vindguden Zephyr blåser på Venus fra venstre (2)som representerer mannlig seksualitet. Til høyre møter nymfen Ora henne med en kappe i hendene. (5). Med en omsorgsfull morsbevegelse vil hun kaste en kappe over Venus, som for å beskytte henne mot Zephyrs forførende vind. Og det er som å kjempe for en nyfødt. Se: vindens kraft er rettet ikke så mye mot havet eller Venus (det er ingen bølger og heltinnens figur er statisk), men mot denne mantelen. Zephyr ser ut til å prøve å hindre Ora i å gjemme Venus.
Og Venus selv er rolig, som fastfrosset i konfrontasjonen mellom to krefter. Hennes tristhet, løsrivelse fra det som skjer tiltrekker seg oppmerksomhet. Hvorfor er det ingen lykke i det, gleden ved å oppdage og gjenkjenne verden?
Jeg ser i dette et forvarsel om snarlig død. Primært symbolsk - hun gir opp sin femininitet og seksualitet av hensyn til guddommelig mors kraft. Venus vil bli gudinnen for kjærlighetsglede, som hun selv aldri vil oppleve denne nytelsen.
I tillegg faller også skyggen av ekte død på Venus' ansikt. Den florentinske damen Simonetta Vespucci, som angivelig poserte for Botticelli, var den tidens skjønnhetsideal, men døde plutselig som 23-åring av forbruk. Kunstneren begynte å male «The Birth of Venus» seks år etter hennes død og reflekterte her ufrivillig ikke bare beundring for hennes skjønnhet, men også smerten ved tap.
Venus har ikke noe valg, og dette er grunnen til tristhet. Hun er ikke bestemt til å oppleve tiltrekning, begjær, jordiske gleder
Oras klær (5) svært lik klærne til Flora fra maleriet «Vår», som fungerer som et symbol på fruktbarhet og morskap. Dette er morskap uten seksualitet. Dette er besittelsen av guddommelig kraft, ikke seksuell tiltrekning. Så snart Ora dekker Venus, vil hennes jomfrubilde umiddelbart bli til et mor-guddommelig.
Vi kan til og med se hvordan kanten av mantelen blir til en skarp krok av kunstneren: han vil trekke Venus inn i et lukket fengselsrom, preget av en palisade av trær. I alt dette ser jeg innflytelsen fra den kristne tradisjonen - fødselen av en jente bør følges av en plettfri unnfangelse og morskap, utenom det syndige stadiet.
Venus har ikke noe valg, og dette er grunnen til hennes tristhet. Hun er ikke forutbestemt til å være en kvinneelsker, som den som svever i Zephyrs vellystige omfavnelse. Ikke bestemt til å oppleve tiltrekning, begjær, jordiske gleder.
Hele Venus-figuren, hennes bevegelse er rettet mot moren. Et øyeblikk til - og Venus vil komme ut av skallet, som symboliserer den kvinnelige livmoren: hun vil ikke lenger trenge henne. Hun skal sette sin fot på moder jord og ta på seg morens klær. Hun vil pakke seg inn i en lilla kappe, som i antikkens Hellas symboliserte grensen mellom de to verdenene - både nyfødte og døde ble pakket inn i den.
Så det er her: Venus er født for verden, og etter å ha så vidt klart å finne femininitet, ønsket om å elske, mister hun øyeblikkelig livet, det levende prinsippet - det skallet symboliserer. Et øyeblikk senere vil hun fortsette å eksistere bare som en gudinne. Men inntil dette øyeblikket ser vi i bildet den vakre Venus i prime av hennes jomfruelige renhet, ømhet og uskyld.